Amarcord ist ein Film zum Lieben ohne Vorbehalt. Fellini profitiert von der neu eroberten Unbeschwertheit, um nach einer fast objektiven Erzählung zu streben. Indem er zu den provinziellen und spöttischen Wurzeln seines eigenen Werdegangs zurückkehrt, gewinnt der Regisseur des Films I Vitelloni skrupellos die Struktur des Witzes zurück, er strengt sich an, nicht gerührt zu sein und keine Rückschlüsse zu ziehen. Der gesamte Film trägt das Kennzeichen eines Meisters, doch einige Seiten stechen mit größerer Deutlichkeit ins Auge: ein streitiges Mittagessen im Familienkreis, eines Eduardo würdig, der Ausflug aufs Land mit dem verrückten Onkel (ein sublimer Ciccio Ingrassia), der Tanz der Studenten vor dem während der Wintersaison geschlossenen Grand Hotel, die magische nächtliche Erscheinung des Überseedampfers Rex: ein Symbol der Mythen einer dümmlichen Epoche, so prägnant, dass sie C.G. Jung gefallen hätte.

In Amarcord, was im Dialekt der Romagna eben „Ich erinnere mich“ bedeutet, zeigt Federico Fellini, dass er dem Druck der Nostalgie entkommen kann und aus den Geistern der Vergangenheit Nutzen zieht. Indem er in seine visionäre Ader ein soziologisches Bewusstsein einfließen lässt, das seit den Zeiten des Süßen Lebens verloren schien, schenkt uns Fellini ein Meisterwerk, das zusammen ein magischer und schmerzhafter Rundgang durch die Gärten der Jugend und ein äußerst nüchternes Urteil ist, trotz der grotesken Linse, der Scham, die wir hinter uns gelassen haben, der kleinlichen Wurzeln aus denen sich die Realität Italiens noch heute nährt, um dies zu einem tollpatschigen Melodram zu machen, einer komischen Tragödie, einer Rampe der Infantilität.

Amarcord ist der einfachste, der wehrloseste und der aggressionsfreiste Film, den Fellini seit geraumer Zeit bis heute gedreht hat, und aus diesem Grund gefällt er uns. [...] Das neue Maß, das der Regisseur hier findet, hat etwas Delikates und Bescheidenes, das uns, nicht zuletzt weil man es sich nicht von ihm erwartet, schließlich erobert. Der Hexenmeister greift nicht mehr auf wortgewandte Zauber zurück, sondern auf einen magischen unterirdischen Realismus, wo die Magie die Realität vielleicht ein wenig abstumpft, sie jedoch gleichzeitig filtriert rückerstattet, mit weniger auffallenden Kehrseiten als normalerweise, die jedoch feiner und tief greifender sind.

Federico Fellini hat meisterhaft ein Universum an Geistern heraufbeschwört, die aus den Schubladen der Zeit ohne Heiterkeit und auch ohne Bissigkeit hervorgeholt werden, über einen letztendlich elegischen mentalen Vorgang. Die am besten gelungenen Stellen von Amarcord kreisen um Gradisca: ihre erotische Geschichte hat einen Tonfall expressionistischer Qualität auf hohem Niveau, während die abschließende Hochzeitsfeier im Freien etwas Höhnisches an sich hat, das die Eitelkeit unserer rituellen Verpflichtungen unterstreicht. Indem die Wehmut sich mit der Häme abwechselt, die übertriebene Siegessicherheit der "Fogarazze" –Freudenfeuer- und das Autorennen zum Krankenhaus und den Beerdigungen, hat Fellini ein provinzielles „Epos“ beschrieben, das nie in die Vulgarität oder ins Pathetische ausufert. Auf dem Gipfel seiner Kunst angelangt, hat Fellini gelernt rechtzeitig anzuhalten, indem er sich eines strengen und unnachsichtigen Schnittes bedient.

Rückkehr Fellinis in die Romagna. Die kleinen Ereignisse in Rimini auf dem Höhepunkt des faschistischen, triumphalen Gehabes. Die Bandbreite eines Lebens in der Vielstimmigkeit eines Werkes, das dem Besten von Fellini würdig ist (ausgezeichnet mit einem Oskar). In Zusammenarbeit mit dem romagnolischen Schriftsteller und Poeten Tonino Guerra an der Inszenierung wird ein Umzug erschaffen, der dermaßen reich an Antlitzen und Orten, Unterhaltungen und Feinheiten, Schwermut und Suggestionen ist, dass der Film vom Publikum der ganzen Welt geschätzt wird. Alles ist rekonstruiert und wahrer denn je. Amarcord in den Tonfällen einer mit Schwermut durchsetzten Komödie destilliert Launen und Gefühle mit kinematographischer Großmut . Ist der Film der Erinnerung oder der Politik gewidmet? Ist er kritisch oder nostalgisch? In seinen verfälschenden Interviews hat Fellini von einem leblosen sozialen Zustand, kultureller Armut und ideologischer Beschränktheit gesprochen, die uns der Faschismus beschert hat. Im Film ist dies teilweise erkennbar, doch scheint uns, dass das Ergebnis der ungreifbaren Subtanz angehört, die nur die Poesie erfasst. Diese strampelnden Figuren sind nicht nur das Ergebnis und die Darstellung eines besonderen historischen Moments, sondern auch die Zeitlosigkeit einer menschlichen Bedingung, die weder die Diktaturen noch der Fortschritt jemals radikal ändern können, wenn man die gebührenden Vergleiche anstellt.